El acento de la música afrocubana y el latinjazz con aires de la isla caribeña tendrán bastante protagonismo en el encuentro que reunirá a varias de las estrellas mundiales del género, entre ellas los estadounidenses Chick Corea y Archie Shepp.

Precisamente, en la Grande Halle del parque parisino de La Villette actuarán el 7 de septiembre Chucho Valdés y el saxofonista Shepp, “un diálogo” especial que traerá a la Ciudad Luz las excelencias de los dos intérpretes.

Dionisio de Jesús Valdés (Chucho) conquistó en cuatro ocasiones premios Grammy y sus conciertos son muy apreciados en Francia, donde el pasado año se presentó en la prestigiosa Sala Pleyel de la principal urbe de este país.

Por su parte, Gonzalo Rubalcaba obtuvo ocho nominaciones a los Grammy, con dos galardones alcanzados además de numerosos reconocimientos internacionales. Estará el 10 y 11 de septiembre en la Cité de la Musique.

En la sede del mayor museo y catedral de la música posiblemente en toda Francia, el impetuoso estilo de Rubalcaba alternará con el italiano Stefano Bollani, además de Paul Bley y Stephan Oliva, luego del recital de Chick Corea.

Corea estará el 2 de septiembre en la Grande Halle, con un célebre trío surgido en 1968, con el baterista Roy Haynes y el contrabajista Miroslav Vitous. Aunque el jazz es la esencia principal de La Villette, los sonidos del soul, funk, hip hop y rap también podrán ser apreciados.

Entre otras figuras que se presentarán en la cita aparecen la británica Alice Russel, el grupo Abraham Inc, la francesa Sandra Ndake, Gil Scott-Heron, Saul Williams, Meshell Ndegeocello, Marc Ribot, Ibrahim Maalouf y David Douglas.

Fuente Prensa Latina

En concreto los días 11, 18 y 25 de septiembre y el 2 y 9 de octubre. Al igual que en años anteriores los conciertos del JaZZbegote tendrán lugar en el Teatro Casa de la Música de Carboneras a las nueve de la noche, y cuenta con el patrocinio de Endesa y la organización de la concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Carboneras.

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Integrante del legendario cuarteto que lideró el saxofonista John Coltrane entre 1961 y 1965 y que abrió nuevos caminos para el jazz con trabajos como “A love supreme”, “Crescent” y los discos en vivo grabados en el Village Vanguard y Birdland, Tyner tocará en el teatro Gran Rex de Buenos Aires (Corrientes 857) el próximo jueves 2 de septiembre a las 21.30.

Pianista y compositor de 71 años y una de las figuras centrales del jazz tanto por su legendaria historia como por su decisión de seguir inventando, Tyner tocará en el país al frente de su trío integrado también por Gerald Cannon en contrabajo y el baterista Eric Kamau Gravatt, mientras que como artista invitado participará el saxofonista Gary Bartz, conocido de Tyner desde la década del 70.

“El jazz debe evolucionar siempre, es una forma de arte progresiva, por su propia naturaleza tiene que mantenerse cambiando y avanzando permanentemente, de lo contrario no es jazz”, aseguró Tyner a Télam en un reportaje concedido días antes de llegar al país.

Pianista de una riqueza sonora enorme, brillante y pregnante, Tyner señaló que “esta característica progresiva del jazz encaja perfectamente con mi personalidad porque no soy alguien a quien le guste sentarse a descansar sino que siempre estoy mirando hacia delante. Para mí cualquier proyecto es el siguiente”.

Nacido en Filadelfia en 1938, Tyner comenzó a trabajar profesionalmente como pianista del Jazztet de Benny Golson y Art Farmer, hasta que se une al grupo de Coltrane -que había incluido su composición “The Believer” en un disco de 1958- en 1960, conformando uno de los cuartetos más influyentes del jazz moderno.

“Tocar con John (Coltrane) y el Cuarteto (que también integraban el bajista Steve Davis y el batería Elvin Jones) fue uno de las más grandes experiencias de mi vida”, contó.

“John era como un hermano mayor, me enseñó y fue muy cuidadoso conmigo. Y yo crecí en esa banda. La conexión entre la sección rítmica era tan fuerte y hubo tanta comunicación cuando tocábamos que eso nos permitió adentrarnos en nuevos territorios. John fue un gran líder y realmente sacó lo mejor de cada uno de nosotros a lo largo de esos maravillosos años”, relató el pianista.

A pesar del intenso trabajo con el cuarteto de Coltrane, Tyner comienza a grabar en 1962 discos donde desarrolla sus propias composiciones al frente de un trío.

Consultado sobre las principales influencias que recibió a la hora de tocar el piano y sobre la elaboración de un discurso propio, McCoy Tiner señaló que “cada músico tiene su propio sonido dentro de sí y solamente tiene que buscarlo y dejarlo salir”.

“Yo me formé escuchando a (Thelonious) Monk y Bud Powell -remarcó-, pero luego llevé lo que escuchaba a mi música, aplicándolo a las ideas que yo mismo estaba creando y así salió mi propio sonido”.

“La gente -agregó- aprecia cuando el músico tiene algo único y original que decir con su instrumento. Es halagador escuchar a alguien que está influenciado por tu manera de tocar, pero en última instancia, cada uno desea sonar diferente”.

El músico, que conoció la época de las big bands, el bebop, el postbop y el hard bop entre otros estilos que acompañaron su desarrollo como músico, aseguró que “la música de las big bands era muy popular porque la gente podía bailar con ella”.

“Hubo un aspecto social y masivo alrededor de la big band que disminuyó cuando comenzó el bebop y aparecieron los pequeños grupos a mediados de la década del 40″, sostuvo Tyner.

“Más tarde, en el momento en que yo estaba tocando con Coltrane -afirmó-, había grupos de rock que realmente llamaron la atención de la gente. Por lo tanto, hubo una serie de factores que hicieron menos popular al jazz con el correr del tiempo”.

Con ábumes propios como “Night of Ballads & Blues” y “Live in Newport”, ambos de 1963 o “The Real McCoy” en 1967 (año del fallecimiento de Coltrane), Tyner se afirma en la década del 60 como uno de los músicos centrales y más innovadores de la escena del jazz contemporáneo.

En los 70 graba materiales como “Extensions”, donde tocan con él Gary Bartz (que lo acompaña en este show argentino), Wayne Shorter, Ron Carter y Elvin Jones; o “Enlightenment”, grabado en vivo en formato de cuarteto en el festival de Montreaux.

En 1972 graba su primer disco de solo piano “Echoes of a Friend”, experiencia que repite en 1988 con “Revelations” y en 2009 con “Solo: Live from San Francisco”, su último registro discográfico, que fue grabado en un concierto en el Festival de Jazz de San Francisco y que incluye mayoritariamente composiciones propias pero también otras debidas a Coltrane y a Duke Ellington.

En el show del Gran Rex del próximo jueves 2, la banda de McCoy Tyner estará precedida por un set a cargo de la pianista rosarina Paula Shocron junto al saxofonista Pablo Puntoriero, que estarán tocando temas de su disco “El enigma”.

En una carrera artística que se remonta a casi tres décadas y 23 álbumes, el saxofonista Kenny G (ganador de varios premios Grammy) ha añadido elementos del R&B, música pop, música latina hasta los cimientos del jazz reforzando su reputación como el primer artista de jazz contemporáneo.

Desde los primeros años de la década de los 80’s, su combinación de sus cortes instrumentales y su imborrables melodías han dado como resultado más de 75 millones de discos vendidos en todo el mundo (45 millones solamente en los EE.UU.) y una decena de veces llegó a la cumbre del ranking de jazz contemporáneo de la revista Billboard.

Con todos estos y otros logros comerciales y de crítica, uno podría pensar que Kenny es una artista sin nada que probar. Sin embargo, él vuelve a reafirmar su lugar en la música popular con el lanzamiento el 29 de junio de 2010 de Heart and Soul editado por Concord Records.

Continuando con el éxito de Rhythm and Romance, su primer álbum de jazz latino y su debut en Concord Records en 2008, Heart and Soul captura el espíritu y las vibraciones del R&B clásico con el que Kenny creció en su Seattle natal. “Si tuviera que volver y comenzar todo de nuevo, grabar mi primer CD, creo que sería éste,” dice Kenny. “Es fiel a mis raíces, tiene alma, y tiene el estilo de R&B que me influenció desde el principio. Grabar este disco fue una experiencia única. Me llevó un año y medio terminarlo, porque prestamos mucha atención a cada canción, cada melodía, y a cada nota.”

Walter Afanasieff, el socio compositor y productor de toda la vida de Kenny G, sirve una vez más como contraste creativo para este disco. Además, los vocalistas invitados Robin Thickle y Kenny “Babyface” Edmonds alternan frente al micrófono. “Verdaderamente traté de tocar dando lo mejor de mí cuando estábamos grabando, por lo que dejé que las cosas tomaran su curso natural en el estudio” dice Kenny. “Este álbum es una foto perfecta de Walter y mía en el laboratorio, tocando todos los botones, utilizando los sintetizadores y los teclados. Y logramos algo que era nuestro sonido. Intentamos mirar al proyecto como una tela en blanco, y simplemente escribimos todo lo que teníamos ganas, para ver a dónde nos podía llevar eso.”

En muchos aspectos, a dónde lo llevó fue al comienzo – el R&B de los comienzos y mediados de la década del 1970 cuando Kenny quedó embelezado durante su adolescencia en una escuela de un barrio común de Seattle donde él se mezclaba con alumnos culturalmente diversos. Kenny tenía solo 17 años cuando, inspirado por los gustos de Earth, Wind & Fire y Grover Washington Jr., ofreció un concierto con Barry White y su Love Unlimited Orchestra en el Paramount Northwest Theater (ahora llamado Paramount Theater) en 1973.

Después de la secundaria, continuaron los conciertos con R&B y artistas de jazz contemporáneo como White y Jeff Lorber. En 1982, cerró un contrato con Arista y lanzó su carrera de solista con tres aclamados álbumes de jazz: Kenny G (1982), G-Force (1983) y Gravity (1985). En los 90 alcanzó múltiples de discos de platino, a la vez que colaboró con las más representativas figuras de la música popular estadounidense; entre ellos Aretha Franklin, Whitney Houston, Natalie Cole y Frank Sinatra.

Sus siguientes álbumes de estudio, Silhouette (1988) y Breathless (1992), tuvieron un éxito inmenso. El último vendió más de 12 millones de copias en los EE.UU. solamente, y transformó al single “Forever in Love” en ganador de premios Grammy.

Otros aspectos destacados de su carrera incluyen Miracles, un álbum para las fiestas de fin de año de 1994 que lo llevó a la cima del ranking de la revista Billboard por primera vez, y que desde entonces es el álbum más vendido para las fiestas. Desde entonces, sus dos álbumes navideños – Faith de 1999 y Wishes de 2002 – han tenido un éxito similar. At Last…The Duets Album, lanzado en 2004, incluyó actuaciones de Barbara Streisand, Burt Bacharach y LeAnn Rimes, junto con una remake de “The Way You Move” del dúo Outkast con Earth, Wind and Fire.
Kenny se unió a Concord en 2008, con el lanzamiento de Rhythm and Romance, un álbum que lo unió con músicos latinos destacados, incluyendo al guitarrista Ramon Stagnaro; los percusionistas Michito Sanchez, Paulino Da Costa y Ron Powell; y el legendario baterista de Weather Report, Alex Acuña.

En muchos aspectos, Heart and Soul es la culminación de todo: una declaración segura de un músico instrumental y letrista que permanece fiel a su propia voz después de casi tres décadas de discos artísticamente buenos y comercialmente imponentes.

El sentido de la convicción es evidente desde las primeras notas del primer corte, al que Kenny considera su favorito de todo el disco. “Hay una melodía de esta canción que te deja con la sensación de que la escuchaste millones de veces. Para mi, ése es siempre el ingrediente de una canción genial,” dice Kenny. “Hay algo mágico cuando escuchás una melodía que te resulta familiar, pero que sabés que no lo es.”

“Fall Again” incluye a Thickle, interpretando unas letras emocionalmente cargadas, quien tiene una amplitud sin esfuerzo alguno entre un tenor y un falsetto. “Las armonías son un poco más oscuras que lo normal, y son muy sentidas,” dice Kenny. “Hay un grado de sutileza en este tema que lo hace mucho más que una canción pop.”

Avivada por una sutil pero persistente monotonía, “No Place Like Home” es débilmente más animada, gracias -en parte- a la voz de “Babyface” Edmonds, quien además es el autor del tema. “Babyface y yo somos amigos desde hace veinte años,” dice Kenny. “Su música me va como anillo al dedo. Sus letras, sus melodías, y la forma en la que une el ritmo funcionan perfectamente.”

Adentrado en el CD, “G-Walkin’” sostiene un tempo firme y hace lugar para que Kenny se abra y entregue unos entusiastas solos de saxo, mientras que “One Breath” es igualmente expresiva dentro de un ritmo más lento y más melódico.

El tema de cierre, “After Hours” es simplemente lo que el título sugiere: una melodía para la madrugada, cuando el mundo se aquieta. Sin embargo, en el ritmo suave y la melodía de bares llenos de humo se percibe la vida que subyace luego de la puesta del sol.

En esta segunda entrega junto a Concord, Kenny está disfrutando de un sentido de libre creatividad sin precedentes que le ha permitido crear uno de los mejores discos de su carrera, que es fiel a sus raíces y fiel a su visión creativa.

“Normalmente, cuando les dejan a los artistas hacer lo que saben hacer, los resultados son mejores que cuando les dicen qué hacer,” agrega Kenny. “Eso no significa que no pueda o no debiera haber alguna forma de cooperación entre los productores y los cazatalentos de las empresas discográficas. Pero al final las elecciones y las decisiones deben ser mías. El trabajo del artista es ser fiel a la integridad de su arte. Si lo es, entonces las cosas siempre salen bien. Heart and Soul es un ejemplo de esa claridad e integridad. Este es un disco del que estoy muy orgulloso.”

La entrada es libre y gratuita

Lugar: Conservatorio Beethoven – Juncal 1264 Ciudad de Buenos Aires
Día: Jueves 2 de septiembre – 20 hs

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Entradas

Las entradas para Dancing Mood ya están en venta en las boleterías del teatro o por medio de Ticketek. Se pueden comprar por teléfono (5237-7200), en la web de la empresa, o en los locales de venta de Ticketek.

Los precios de las entradas son los siguientes:

• Platea Platino:  $ 140  (+$15)
• Platea Oro:  $ 120  (+$15)
• Platea Oro Lateral:  $ 110  (+$10)
• Platea Plata:  $ 110  (+$10)
• Platea Plata Lateral:  $ 90  (+$10)
• Platea Bronce:  $ 90  (+$10)
• Superpullman (Fila 1 a 5):  $ 100  (+$10)
• Superpullman (Fila 6 a 10):  $ 90  (+$10)
• Pullman (Fila 1 a 7):  $ 90  (+$10)
• Pullman (Fila 8 a 13):  $ 80  (+$5)
• Pullman (Fila 14 a 19):  $ 70  (+$5)
• Pullman (Fila 20 a 25):  $ 50  (+$5)

Luego, se desarrollarán las clases personalizadas de una hora reloj de duración, dirigidas a los instrumentistas activos ya sea individualmente o reunidos en grupo de cámara, según la modalidad de la inscripción que se haya adoptado. Es de destacar que en esta instancia los alumnos oyentes podrán asistir libremente a estas clases, pero en calidad de pasivos.

Así también se preveé una clínica sobre técnicas extendidas y música contemporánea en el saxofón, en la cual se abordará todas las técnicas modernas que tiene el instrumento para realizar nuevas composiciónes de la música del siglo XX, a la cual esta invitado cualquier persona interesada en la mísma, como alumnos y profesores de la carrera de composición de la Escuela de Artes.

Cupo limitado e inscripción:

La inscripción, tanto para los participantes activos como para los oyentes, deberá solicitarse antes del día 01 de septiembre y abonarse completamente antes del día 15 de septiembre.

En esta oportunidad, el “2º  Encuentro Internacional de Saxos, Córdoba, 2010” ofrece un cupo de veinticuatro clases activas con posibilidad de cuatro dobles-clases, todas ellas de una hora de duración y a cargo del prestigioso saxofonista invitado, prof. Arno Bornkamp. Es por esta razón que la admisión al cursado activo será efectuada por estricto orden de inscripción completa.

El cupo para aquellos que deseen participar como oyentes es ilimitado.

Los conciertos que se realizarán en el marco de este encuentro será abiertos a todo público en general, sin necesidad de ser partícipes o retirar entradas anticipadas.

Arancel

Los costos que a continuación se expresan incluyen matriculación, asistencia en la calidad solicitada y acreditación oficial posterior, y están íntegramente destinados a cubrir los honorarios del  profesional disertante.

a)     Participantes activos (incluye concierto de clausura).

·        Clase individual más asistencia a la integridad del curso: $300 (pesos trescientos).

·        Clase doble más asistencia a la integridad del curso (4 días): $500 (pesos quinientos).

b)     Participantes oyentes con asistencia a la integridad del curso (4 días) y concierto de clausura: $200 (pesos  docientos).

c)      Participantes oyentes con asistencia a un día de curso: $150 (pesos cien) no incluye concierto de clausura.

d)     Participantes de la Escuela de Música de la Facultad de Filosofía y Humanidades, de la Universidad Nacional de Córdoba, que asistan a la clase de técnicas extendidas: $50 (pesos cincuenta) no incluye concierto de clausura.

Prof. Nicolás Ahumada

Contactos:

• Mail: nicolasahumada@hotmail.com -
• Tel: 03543 434747 ó  0351 156536112

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A:  encuentrodesaxos@hotmail.com

Fuente: encuentrodesaxos.webs.com

Lincoln se caracterízó por ser una artista multifacética: también era compositora, actriz y, en los años 60 fue una de las protagonistas de la lucha por la afirmación de los derechos civiles en Estados Unidos.

En su carrera de cantante, desarrollada hasta pocos meses antes de su muerte, grabó unos 20 discos, entre ellos, “Abbey Sings Abbey”, editado en 2007 y que incluye muchas canciones de su autoría.

Fue una de las más importantes representantes de una vieja escuela de jazz, a la que pertenecía Billie Holiday, era reconocida por su voz dramática que dio vida a las primeras canciones de protesta en los sesenta, entre las que se cuentan la famosa “We insist! freedom now suite”.

Anna Marie Wooldridge -su verdadero nombre-, dio sus primeros pasos en la música cuando comenzó a cantar en clubes nocturnos de California, donde utilizó distintos nombres artísticos.

Supo ser Anna Marie, Gaby Lee y Gaby Woolridge, hasta que en 1956, por consejo de Bob Russell, se quedó con el de Abbey Lincoln.

Ese mismo año grabó su primer disco con Benny Carter e interpretó un tema del filme “The girl cant help it” (1957), año en que grabó el primero de sus tres álbumes para Riverside: “Thats Him”.

El baterista del quinteto musical que la acompañó era Max Roach, que pertenecía a la generación joven del bebop de la década del 40.

La influencia musical de Roach sobre Lincoln traspasó los límites artísticos, ya que pronto se convirtió en su pareja.